艺术既是平民的也是哲人的，因为这项工作是对与他们工作的不同的公民、社会、政治和历史背景做出敏感的回应。艺术之所以重要，是因为它是整个社会的产物。它锻造并反映了社会价值观。

从文艺复兴时期（14-16世纪）说起，艺术家们（或者是工匠们）是很少单独工作的。艺术作品的制作非常复杂，为达到满意的效果，艺术家间彼此合作，与赞助人合作；对艺术家而言，艺术不仅仅是为了观众的欣赏，也是艺术家受雇于委托人的工作。所以艺术不仅仅是为了好看，还要有意义、有目的、有用。我们看到的传世名作无一不带有艺术家对委托人的一丝迎合。可以说，艺术作品是为那些委托他们的人的特定目的服务的，这使得艺术的形式和内容直接依赖于它的作用。

我们现在可能仅仅把构图或图形形式看作是审美上的愉悦，但它们通常是作品的道德或政治内容的一部分，就像我们所理解的政治家握手表示政治联盟或和谐的形象一样。但并不是说审美愉悦在人们对艺术作品的感知中没有作用。事实正恰恰相反，十五世纪末，西西里人马泰奥·科拉乔(MatteoColaccio)访问了帕多瓦，他在书中写道，他很高兴看到圣安东尼奥教堂(theSanto)里的木雕唱诗班的座位：我钦佩得几乎说不出话来。在我看来一切都是真的，我不相信这是假的。我走近他们，用手抚摸着他们……在天使加百列和玛丽的旁边，你欣赏着枝干上的树叶和果实，这是大自然无法结出的……谁能对那披在圣杯上的丝绸面纱感到满意呢？它的颜色和编织的精细，全都是紫色的褶子，还有那些由于落差不均匀而产生的蜿蜒的褶子。

话又说回来，美学并不是艺术作品委托和创作背后的驱动力。在中世纪及文艺复兴时期，欧洲存在大量的平淡无奇或令人尴尬的圣母子的画像，尽管大部分不为人知，但是可能和那些被广泛推崇并成为文艺复兴时期艺术代表的画像一样，具有重要的宗教意义。

照片中的室内展示了石膏和灰泥浇铸的圣母和儿童浮雕，这些重复的图像记录了15世纪这些流行物品的大规模生产市场(以及19世纪末和20世纪它们的复制和伪造)。佛罗伦萨巴迪尼博物馆(MuseoBardini,Florence)

我们欣赏及辨识艺术作品，需要尝试去想象那些过去的绘画和雕塑在他们自己的时代处于什么样的环境是很重要的，但是对于原始视觉冲击和艺术感受的重建是不可能的，就像我们永远不知道达芬奇为什么创作了蒙娜丽莎，特别是如果它们已经从原来的位置被移走。在文艺复兴时期，任何一件艺术品的委托，不仅体现了购买者的意愿，也体现了它将要被放置的地点的历史环境。艺术品所在的艺术空间是一个公共场所，它的历史可以追溯到它所在环境的神秘起源。该场地结合了私人和公共活动——例如，修道院的私人小教堂——赞助人和主宗教秩序共同的历史和愿望影响了作品的最终形式。这个时期的大多数艺术反映了这种丰富的历史、家庭、公共和社会结构。

圣人、古典英雄或地方统治者的形象和属性，以及他们的象征意义，在当时的文化中是大众智力的一部分。例如，施洗者圣约翰可以通过他憔悴的面容、短的汗衫和细芦苇手杖来识别；亚历山大的圣凯瑟琳被带尖的轮子折磨着。这些圣人的形象不仅使他们易于辨认，而且让人想起与他们生活有关的流行故事，从而直接与讲故事的传统和观众的想象力对话。

施洗者圣约翰(细节)青铜，大约制作于/13-17年，由ArtedelCalimala委托，洛伦佐·吉比提(LorenzoGhiberti)建造，位于佛罗伦萨圣米歇尔(SanMichele)的东侧。(现在位于MuseodiOrSanMichele博物馆)

艺术作品随着时间的推移而存在，因为崇拜者反复站在虔诚的图像前，公民每天经过他们的统治者的公共雕像。这些作品的信息一定已经被每一个观察者完全吸收，即使是无意识的。在很长一段时间里，图像往往以相似的形式重复出现，即使是抽象概念的人格化，比如正义(手持剑或天平，或两者皆有)，也能被广泛的人群清晰地识别出来。