意大利的文艺复兴

这段时期主要指１５世纪末到１６世纪中叶，是意大利文艺复兴的全盛时期。从１５世纪中叶开始，佛罗伦萨开始失去它作为意大利经济、政治和文化的中心的地位，取而代之的另一重要城市、教皇所统治的基督教首府——罗马。教皇为了重新确立罗马在基督教世界的统治地位，动用大量资金重建罗马，并吸引了大批艺术家、思想家到罗马工作，在艺术上形成了以罗马为中心的罗马画派。

意大利文艺复兴三杰：

1、莱昂纳多·达·芬奇(-)他把科学灌注于艺术思想之中，在解剖学、透视学、明暗法构图学等方面均有重要建树。

据史料记载，"蒙娜丽莎"是当时佛罗伦萨著名的银行家佐贡多的妻子。达·芬奇为了唤起她发自内心的情感，曾经请到了钢琴师为她演奏、丑角为她表演。但是，这个见多识广，冷漠、理性的女人并没有使画家得到他想要捕捉到的东西，为此，画家不得不将画作断断续续地延迟了三年。有一天，这个富贵人在翻阅画家草图的时候，忽然发现了画着鸭掌的图画，她感到非常疑惑。画家说，这是他为研究和设计飞行器而画的，因为水流和气流；水浮力和大气浮力；鸭子在水中滑行和飞禽在空中飞翔有某种相似之处。鸭掌滑水动作虽然简单，但隐藏着飞行器飞行的某种秘密。这个冷漠、理性的女人听到这番话，又想到飞行器一旦设计成功，人类将可以在空中自由飞翔的情景……顿时，引起了很大震动，并由衷地发出了微笑。这一难得而发自内心深处的微笑立即被达·芬奇捕捉到了，并把它成功地塑造了出来。

《蒙娜丽莎》MonaLisa（又名《永恒的微笑》）

《最后的晚餐》是达芬奇直接画在米兰一座修道院的餐厅墙上的。沿着餐桌坐着十二个门徒，形成四组，耶稣坐在餐桌的中央。他在一种悲伤的姿势中摊开了双手，示意门徒中有人出卖了他。在耶稣右边的一组中，一个黑暗的面容朝后倚着，仿佛从耶稣前往后退缩似的。他的肘部搁在餐桌上，手里抓着一只钱袋。他就是叛徒，犹大.伊斯卡里奥特。犹大手中的钱袋是他的象征，它使我们想起，他就是为耶稣和其他门徒保管钱财的人，钱袋里装着出卖耶稣得来的三十块银币的赏钱。犹大的侧面阴影旁是圣.彼得，我们也可以看见他一头银丝与一副白晰的手，他向年轻的圣.约翰靠去。彼得垂在臀部的右手握着一把刀，仿佛在偶然中，刀尖对着犹大的背后。圣.约翰的头朝彼得垂着。在所有门徒中，他是耶稣最喜爱的一个。约翰象耶稣那样平静，他已经领悟了他主人的话。耶稣左边是小雅各，他力图去理解他所听到的可怕的话，他两手摊得大大的惊叫了起来。从小雅各的肩上望去，我们看到了圣托马斯，疑惑不解的托马斯，他怀疑的神色通过他竖起的手指表现出来。小雅各的另一边，圣.菲利普往耶稣靠去，双手放在胸前似乎在说：”你知道我的心，你知道我是永远不会出卖你的。”他的脸由于爱和忠诚而显出苦恼的神情。巴塞洛缪与老雅各的身体向他们倾着，而他们身旁的老安德鲁并没有站起来，但他想听听，于是便举起手似乎要求安静。右边还剩下最后三个门徒，他们正在讨论有关耶稣说的那句话，他们的手指也指向餐桌的中央。

该画X厘米，画面利用透视原理，使观众感觉房间随画面作了自然延伸。为了构图使图做得比正常就餐的距离更近，并且分成四组，在耶稣周围形成波浪状的层次。越靠近耶稣的门徒越显得激动。耶稣坐在正中间，他摊开双手镇定自若，和周围紧张的门徒形成鲜明的对比。耶稣背后的门外是祥和的外景，明亮的天空在他头上仿佛一道光环。

《最后的晚餐》

《自画像》是一幅素描作品，画家作画的工具是一种红色粉笔。用的线条丰富多变,刚柔相济尤其善用浓密程度不同斜线表现光暗的微妙变化,此画用线生动灵活,概括性强,简单的寥寥数笔却包含许多转折,体面关系,发线代面,立体感很强,还有,人物的表情也很传神。

《达·芬奇自画像》

《岩间圣母》以圣母居图中央，她右手扶婴孩圣约翰，左手下坐婴孩耶稣，一天使在耶稣身后,构成三角形构图，并以手势彼此响应,背景则是一片幽深岩窟，花草点缀其间，洞窟通透露光。主题是小施洗者约翰在圣母玛利亚与天使面前参拜基督，虽属传统题材，然表达手法和构图布局皆表明达芬奇的艺术水平之高深。人物、背景的微妙刻画，烟雾状笔法的运用,科学地写实以及透视、缩形等技法的采用，表明了他在处理逼真写实和艺术加工的辩证关系方面达到了新的水平。

《岩间圣母》

《抱银鼠的女子》（又名《抱貂夫人》）是达·芬奇杰出的肖像画作品，体现了深厚的写实功力。这幅精美的肖像画，画面人物气质高贵沉静，女郎怀抱的白貂毛色光润，栩栩如生，充满朝气，充分体现了达·芬奇高超的绘画技巧，而形态逼真的白貂使画面生动了起来。这幅肖像画最引人注目的地方是明暗的处理，画家运用光线和阴影衬托出切奇莉亚优雅的头颅和柔美的脸庞。形神兼备，使得这幅肖像画得到世人的推崇。

《抱貂夫人》

2、米开朗基罗·迪·洛多维科(-),兼雕刻家、画家、建筑家和诗人于一身。在文艺复兴画家中，他是最擅于通过人体肌肉的描绘来传达情感的画家。《大卫》《西斯廷教堂天顶画》《最后的审判》等。

《哀悼基督》题材取自圣经故事中基督耶酥被犹太总督抓住并钉死在十字架上之后，圣母玛丽亚抱着基督的身体痛哭的情景。

《哀悼基督》

大卫是圣经中的少年英雄，曾经杀死侵略犹太人的巨人歌利亚，保卫了祖国的城市和人民。他充满自信地站立着，英姿飒爽，左手抓住投石带，右手下垂，头向左侧转动着。大卫体格雄伟健美，神态勇敢坚强，身体、脸部和肌肉紧张而饱满，体现着外在的和内在的全部理想化的男性美。这位少年英雄怒目直视着前方，表情中充满了全神贯注的紧张情绪和坚强的意志，身体中积蓄的伟大力量似乎随时可以爆发出来。与前人表现战斗结束后情景的习惯不同，米开朗基罗在这里塑造的是人物迎接战斗时产生激情之前的瞬间，使作品在艺术上显得更加具有感染力。他的姿态似乎有些象是在休息，但躯体姿态表现出某种紧张的情绪，使人有强烈的“静中有动”的感觉。雕像是用整块的石料雕刻而成，为使雕像在基座上显得更加雄伟壮观，艺术家有意放大了人物的头部和两个胳膊，使的大卫在观众的视角中显得愈加挺拔有力，充满了巨人感。

《大卫》

摩西是先知中最伟大的一个。他是犹太人中最高的领袖，领导希伯来民族从埃及迁徙到巴勒斯坦，解脱他们的奴隶生活。摩西的态度是一个领袖的神气。头威严地竖立着，奕奕有神的目光，曲着的右腿，宛如要举足站起的模样。牙齿咬紧着，像要吞噬什么东西。摩西头上的角，亦是成为博学的艺术史家争辩不休的对象。在拉丁文中，角在某种意义上是“力”的象征，也许就因为这缘故，米开朗基罗采取这小枝节使摩西态度更为奇特、怪异、粗野。摩西的眼睛又大又美，固定着直望着，射出火焰似的光。头发很短，如西斯廷天顶上的人物一样；胡须如浪花般直垂下来，长得要把手去支拂。臂与手像是老人的，血管突得很显明。巨大的双膝似乎与身体其它各部不相调和，它们占据全身面积的四分之一。摩西的衣服纯粹是一种假想的，它的存在不是为了写实，而是适应造型上衬托的需要。因了这些衣褶，腿部的力量更加显著；雕像下部的体积亦随之加增，使全体的基础愈形坚固。 　　《摩西》大体的动作是非常简单的：这是意大利文艺复兴盛时佛罗伦萨派艺术的特色，明白与简洁。

《摩西》

１５０８—１５１２年间，米开朗基罗应教皇朱诺二世的委托，创作了西斯庭礼拜堂的天顶画《创世纪》，表现出他在绘画上的独创性，在天顶画中他同样是通过神的题材体现人的伟力。

《创世纪》

梵蒂冈西斯廷礼拜堂的天顶画《创造亚当》，是文艺复兴大师米开郎基罗的不朽名作。上帝之手的姿势几个世纪都没改变过，亚当斜着身体，伸手去接触那赐予他生命的上帝，两个指尖即将接触，似乎即将迸发出火花，这一幕成为了整个创世记的象征。这件作品的画面构思极富想象力。亚当倦怠下沉的身姿的曲线与造物主和天使周围的涡旋形线相呼应。画面的焦点是神与人指头的接触，该作品强调人体动作，使二人之间的联系具有动感，这一联系以亚当所处地面的斜线和动作曲线为基础。

《创造亚当》

基督宗教认为，在世界终结前，上帝和耶稣将要对世人进行审判，这就是末日审判。凡信仰上帝和耶稣基督并行善者可升入天堂，不得救赎者下地狱受刑罚。

《最后的审判》（又名《末日的审判》）

3、拉斐尔(-)吸收佛罗伦萨画派与威尼斯画派的长处，形成独有的优美秀雅风格，擅于以世俗化形象描绘宗教题材。壁画《雅典学院》、油画《西斯廷圣母》，《大公爵圣母》《椅中圣母》《圣母子》（奥尔良圣母）等。

中世纪由于神学蒙味主义和禁欲主义的影响，宗教画中的圣母形象，都被画的神秘朦胧，苍白消瘦，僵硬呆板，给人以阴冷威严的感觉。但是，拉斐尔在人文主义思想影响下，他笔下的圣母，年轻、美丽、丰润、健康、眉宇间洋溢着母亲的慈爱和幸福；耶稣也被画成天真活泼的孩子，画画给人以温暖、亲切之感。根据基督教圣经的传说，圣母玛丽亚是非常漂亮的姑娘，很多青年都想娶她。一次，一群青年人，按习俗个个手中拿着树枝向她求婚，这时，奇迹出现了，一个名叫约瑟的青年手中的树枝，忽然开出花来。于是，教主把玛丽亚嫁给了约瑟。据说，他俩的婚姻是上天注定的。16世纪初，拉斐尔依据这个传说，绘制成大型祭台画《圣母的婚礼》，以其特有的风格，一举闻名。

画中的婚礼在阳光明媚的广场举行，而不是在教堂进行，视觉中心是代表神的意志的主教主持仪式，约瑟将订婚戒指戴在玛利亚的手上。其余人物分列两侧，形成对称构图，左右两边分别两组男女青年.玛利亚后面的一组女子是她的女友，而约瑟背后男青年则是求婚者.他们手执求婚标志的棍棒，谁的棒头开花谁就是命中注定的玛利亚的未婚夫。背景人物构图，有单独的有三五成群的散落而有秩.人两边的两组使画面向两边延伸增加场面的宏大.前景人物呈长方形排列两边延伸，体现婚礼的庄严.

广场石块透视线、人物阴影、背景中16角洗礼堂构成的空间距离使画面呈现无限的深远感。画面色彩鲜艳而又和谐，充满乐感，似乎婚礼在乐曲中进行，充分显示了画家的艺术造诣。

玛利亚呈S型显出女性的柔美又有女孩的害羞感.约瑟呈7型有棱角显出男性的刚强，增加画面情感的层次变化.正是约瑟的棒头开出一朵小花，这一神的意志使其他求婚者陷入痛苦和不安.有的甚至激愤，前景中的青年就呈C型绝望的折断手中的求婚棒.主教呈I型稳固有可信度，体现主持婚礼者的身份.

男女两组各组5人陪同体现画面的对称性，与背景建筑物后的两边小山丘对称呼应，增加前后空间的层次感.画中无论男女形象都塑造得俊美，脸部大多侧面构图，表情丰富含蓄耐人寻味.

作者大量使用变化多样的曲线，人物的体态面貌衣服的皱纹变化，都给人造成秀逸柔美之感.整个画面呈正三角形的稳固态，场面的宏大、众多的人物生动的姿态表情、具有肖像性人物个性刻画、布局的和谐变化且统一的节奏……可谓把绘画创作发展到文艺复兴时期的顶峰。

《圣母的婚礼》

《美丽的女园丁》:据说在花园中漫步的拉斐尔，偶见园丁的女儿在花从中欠身剪枝。劳动女孩的健康、美丽深深打动了画家，于是立即拿出速写本画下了这一动人的少女形象，后来又根据速写创作了这幅名画。此画通过美丽的女园丁的形象,表现圣母玛利亚的世俗之爱的精神。笔锋细腻，技巧完美，表现女园丁的亲切、和蔼，赤子的纯洁可爱，对于母性的依恋，给人一种感受煦暖阳光普照的亲情。

《美丽的女园丁》

《椅中圣母》:传说画家一次出席宴会，在来宾中见到一位和蔼可亲的少妇，以动人的目光看了画家一眼，这一瞬间使画家感动异常。当时拉斐尔却没有带速写本，便随手取一块面包，迅速地将这难忘的一幕画在了面包上。回家后，这位偏头侧坐的美丽少妇变成了画里椅中深情回望的圣母。这幅画上的圣母、圣婴与约翰三个形象，比他以往任何圣母子画像更富有生活气息。

《椅中圣母》

《西斯廷圣母》以甜美、悠然的抒情风格而闻名遐迩，是拉斐尔于年到年间为罗马西斯廷教堂绘制的作品，长2.65米，宽近2米，画中人物和真人大小相仿。这幅作品塑造了一位人类的救世主形象。圣母决心牺牲自己的孩子，来拯救苦难深重的世界。画面像一个舞台，当帷幕拉开时，圣母脚踩云端，神风徐徐送她而来。代表人间权威的统治者教皇西斯廷二世，身披华贵的教皇圣袍，取下桂冠，虔诚地迎圣母驾临人间。圣母的另一侧是圣女渥瓦拉，她代表着平民百姓来迎驾，她的形象妩媚动人，沉浸在深思之中。她转过头，怀着母性的仁慈俯视着小天使，仿佛同他们分享思想的隐秘，这是拉斐尔的画中最美的一部分。人们忍不住追随小天使向上的目光，最终与圣母相遇，这是目光和心灵的汇合。圣母的塑造是全画的中心。这幅画中的圣母被世人认为是圣母画中的绝品，画中的圣母一扫中世纪以来的圣母像中那种冰冷、僵硬、不可亲近的模样，将圣母描绘成一个美丽、温柔、充满母性的意大利平民妇女，她的脸上洋溢着坦然的骄傲；为自己手中怀抱着的基督，她的脸上又洋溢着深厚的带有牺牲精神的母爱，因为她将要把心爱的儿子奉献给人世。

《西斯廷圣母》

《雅典学院》是以古希腊哲学家柏拉图所建的雅典学院为题，以古代七种自由艺术——即语法、修辞、逻辑、数学、几何、音乐、天文为基础，以表彰人类对智慧和真理的追求。艺术家企图以回忆历史上黄金时代的形式，寄托他对美好未来的向往。它的主题思想就是崇拜希腊精神，追求最高的生活理想，这正是人文主义艺术家自己的宿愿。全画以纵深展开的高大建筑拱门为背景，大厅上汇集着不同时代，不同地域和不同学派的著名学者，有以往的思想家，也有当世的名人。他们在自由地讨论，情绪热烈，好像在举行什么典礼，或庆祝某个盛大节日，洋溢着百家争鸣的气氛，凝聚着人类智慧的精华。这座建筑物显然是以布拉曼特设计的圣彼得大教堂为范本的，两侧的壁龛里，分别供立着智慧女神雅典娜雕像（在右侧）和音乐之神阿波罗雕像（在左侧）。中心透视点的层层拱门，直通遥远的天际，这是一个极其神圣的环境，学者们被对称地、自然而富有节奏地配置台阶两侧，上层台阶的人物排成一列，中心是两位伟大的学者——柏拉图与亚里士多德，他们似乎边进行着激烈的争论，边向观众方向走来。

《雅典学院》

《弗娜丽娜》这幅被认为是《蒙娜丽莎》翻版的拉斐尔名著,描绘了半遮在精致薄沙之下、有一双深色眼睛的美丽女子弗娜丽娜。据史料记载，拉斐尔37岁去世，终身未婚，生前有一位家世显赫的未婚妻——罗马教廷一位红衣主教的侄女玛丽亚·比别纳。同时，几个世纪以来，一名意大利锡耶纳城面包师的女儿、名叫玛格丽塔·卢蒂的女子一直被认为是拉斐尔的情人。然而，意大利艺术史学家库鲁兹在进行了1年的研究后得出结论，拉斐尔和传说中的情人卢蒂曾秘密结婚，但迫于社会舆论压力，拉斐尔一直严守着这个秘密，并最终将它带入坟墓。库鲁兹表示：“在罗马，拉斐尔享有极高的社会地位，他是一个‘超级巨星’。在当时，他们的婚姻因两人悬殊的社会地位是不会被社会所接受的。”库鲁兹指出，对拉斐尔与卢蒂秘密婚恋的推断是基于多方面的证据，其中包括对拉斐尔同时代各种文献资料的研究和画作修复过程中使用X光技术得到的证据，而《弗娜丽娜》中更是暗藏着拉斐尔和卢蒂秘密结婚的种种证据。

《弗娜丽娜》

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